Animatie is gemakkelijk om in te komen, maar moeilijk te beheersen. Er zijn net zoveel animatiestijlen als animators, en beginnen met een korte film is een geweldige manier om animatietechnieken te oefenen terwijl je je 'signature'-stijl ontwikkelt. Net als elke andere film kost animatie tijd, geduld en veel planning om goed te krijgen, maar iedereen met een computer kan een korte animatiefilm maken.
Stappen
Methode 1 van 3: Een animatic maken (preproductie)
Stap 1. Schrijf een script uit
Dit is vaak makkelijker gezegd dan gedaan, maar je moet je ideeën duidelijk opschrijven en structureren voordat je aan de slag gaat. Anders dan bij live action is het bijna onmogelijk om een animatiefilm te "improviseren", omdat het simpelweg te lang duurt om alles te animeren. U kunt een eenvoudig Word-document of software voor het schrijven van scripts gebruiken, zoals Celtx, Writer Duets of Final Draft. Uw script heeft geen dialoog nodig, maar wel:
-
Een thema.
Wat is het "punt" van de korte film? Dit hoeft niet groots, diepgaand of ingewikkeld te zijn. Het kan van alles zijn, van 'het verlies van kinderonschuld' of 'verveling is een gemoedstoestand' tot 'Ik wil mensen aan het lachen maken met deze grap'. Zie het als een leidend principe voor je film.
-
Karakters.
Wat zal de aandacht van je publiek vasthouden? Dit kan van alles zijn, van een persoon of een dier tot een kronkelige lijn, zoals de met een Oscar bekroonde korte 'The Dot and the Line: A Romance'.
-
Beelden.
Waar vindt de korte plaats? Wat is de stemming, of sfeer? Een scenario moet het verhaal van de korte film volledig vertellen, zodat het kan worden gebruikt als blauwdruk voor toekomstig werk.
-
Een begin, midden en einde.
Dit klinkt voor de hand liggend, maar dat is het punt - bijna alle verhalen worden verteld in drie specifieke, afgebakende delen of handelingen. Dit betekent niet dat je een verhaal in drie bedrijven moet hebben, of zelfs 'personages'. Je moet echter wel de "actie" van de korte film bedenken voordat je verder gaat.
- Act 1 introduceert de personages en een probleem (ze hebben honger, de wereld vergaat, jongen is verliefd op iemand, enz.)
- Akte 2 compliceert het verhaal/probleem (alle winkels zijn gesloten, de slechterik kan winnen, de persoon heeft al een vriendje, enz.).
- Act 3 biedt een oplossing voor het probleem (ze vinden een broodjeszaak, ze redden de wereld, de jongen ontmoet een andere persoon, enz.)
Stap 2. Schets karaktermodellen
Voordat je begint met animeren, moet je weten hoe je personages eruit gaan zien. Schets ze in verschillende poses, kostuums en uitdrukkingen om een idee te krijgen van hoe ze eruit zullen zien. Onthoud dat een personage van alles kan zijn in een animatiefilm, van een beer tot een paar peper- en zoutvaatjes. Toch wil je je personages van tevoren ontwikkelen, zodat ze er consistent uitzien als je ze animeert.
Stap 3. Maak een storyboard
Storyboards zijn individuele tekeningen voor elk stukje actie in het script en worden gebruikt bij de productie van bijna elke film - geanimeerd of anderszins. Ze zijn zowel eenvoudig als uitgebreid, omdat je er een nodig hebt voor elke verandering die je in de film wilt. Ze hebben echter geen achtergronddetails of kleur nodig, tenzij dit essentieel is voor het verhaal. U kunt een verscheidenheid aan gratis storyboard-sjablonen online vinden en afdrukken, of uw eigen sjablonen tekenen. Elk frame van het storyboard bestaat uit twee delen:
-
De afbeelding:
Teken in een rechthoekig vak de hoofdactie van de opname, waarbij je voorlopig de achtergrondafbeeldingen negeert. U kunt ook notities of pijlen tekenen om beweging aan te geven.
-
De dialoog.
Schrijf onder de opname wat er in de opname moet worden gezegd, de voorgestelde lengte van de opname en eventuele effecten (inzoomen, trillende camera, enz.)
Stap 4. Importeer uw storyboard in een filmprogramma, waarbij u elk frame afzonderlijk opslaat
Zodra u uw opnamen hebt gepland, importeert u ze naar uw computer. Zorg ervoor dat u ze de juiste naam geeft (bijvoorbeeld Act1. Scene1. Shot1.jpg). Als je klaar bent, importeer je ze allemaal in je filmbewerkingssoftware (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects, enz.) en zet je ze in de juiste volgorde.
Adobe AfterEffects of Premier worden beschouwd als de industriestandaarden, maar u kunt elk programma gebruiken waarmee u zich het prettigst voelt
Stap 5. Gebruik je storyboard om een getimede diavoorstelling of animatie te maken
Animatics zijn de ruwe vormen van animatie -- ze krijgen het tempo en ritme van de korte film samen en stellen je in staat om de timing goed te krijgen voor je laatste korte film. Dit klinkt ingewikkeld, maar het zijn eigenlijk gewoon diavoorstellingen met de juiste timing. Zet de afbeeldingen van het storyboard op volgorde in je bewerkingssoftware en verleng, knip en speel ermee totdat je een "ruwe" snede van de uiteindelijke film hebt.
- Je kunt online voorbeelden van animaties vinden, zoals de animatie voor de muziekvideo 'Feel Good Inc.' evenals enkele Pixar-animatics.
- Van bijna alle animatiefilms wordt eerst animatie gemaakt. Anders loop je het risico urenlang bezig te zijn met het volledig animeren van een scène die moet worden gewijzigd, langer of korter moet worden of moet worden verwijderd.
Stap 6. Voeg het dialoogvenster en de geluidseffecten toe en pas de timing van de animatie naar behoefte aan
Zodra je je ruwe timing hebt verlaagd, is het tijd om de dialoog vooraf op te nemen. Dit hoeft niet perfect te zijn, en je kunt zelfs de geluidseffecten nabootsen met je mond en handen als je wilt. Waar het om gaat is de timing. Heb je genoeg tijd in de "shot" om alle woorden eruit te krijgen? Verleng of verkort de lengte van uw dia's indien nodig.
Hoe dichter je de dialoog kunt perfectioneren, hoe beter, aangezien de meeste goede voice-acting de juiste timing vereist. Dat gezegd hebbende, is dit niet het moment om je zorgen te maken over de fijnere details van stemacteren. U moet uw animatie samenbrengen voordat u doorgaat naar volledige productie
DESKUNDIGE TIP
Melessa Sargent
Film Producer Melessa Sargent is the President of Scriptwriters Network, a non-profit organization that brings in entertainment professionals to teach the art and business of script writing for TV, features and new media. The Network serves its members by providing educational programming, developing access and opportunity through alliances with industry professionals, and furthering the cause and quality of writing in the entertainment industry.
Melessa Sargent
Film Producer
Take some extra time in the editing phase to fine tune your timing
Since a short film is only about 15 minutes, everything has to be on point, from the writing to the voice of the character to the location.
Stap 7. Bekijk je animatie alsof het de laatste film is
De uiteindelijke animatie moet het volledige verhaal van je film vertellen, minus de attributen van kleur, achtergronden en details.
Als u bekend bent met videobewerking, kunt u nu pannen, zoomen en overgangen toevoegen om ze te testen voordat u ze definitief gaat bewerken
Stap 8. Overweeg de aanschaf van een tablet
Tablets zijn kleine computerblokken die worden geleverd met een elektronische pen, zodat u rechtstreeks in uw computer kunt "tekenen". Goed tekenen met een muis is bijna onmogelijk, en tenzij je kleine projecten of stop-motionwerk plant, heb je vrijwel zeker een tablet nodig.
Methode 2 van 3: Uw film animeren (productie)
Stap 1. Bepaal je animatiemedium
Dit hangt meestal af van uw expertise en hardware. Het is bijvoorbeeld erg moeilijk, zo niet onmogelijk, voor een beginner met een oudere computer om 3D-animaties zoals Pixar te maken. Er zijn vele, vele animatiesoftware en stijlen, en ze hebben allemaal fijne kneepjes en technieken die uniek zijn voor de software.
-
2D Animatie:
Dit is de klassieke cartoon, met de hand getekende look. De karakters zijn platte lijntekeningen. Oorspronkelijk werden ze frame voor frame getekend, maar nu is er een verscheidenheid aan software die het proces veel sneller maakt, zoals Synfig, Pencil2D, ToonBoom of zelfs Adobe Photoshop. Traditioneel gebruik je 12-24 tekeningen per seconde film.
-
3D-animatie:
Net als de modellen die worden gebruikt in videogames en films zoals Toy Story en Shrek, is 3D-animatie veel moeilijker onder de knie te krijgen. Je maakt modellen van de personages en codeert er bewegingen in, waardoor 3D-animatie een soort artistieke/coderingshybride wordt. Je moet ook verlichting en texturen toevoegen. 3D-software kan worden gebruikt, maar het duurt lang en vereist software zoals AutoDesk, Poser Pro, Aladdin of Sketchup. De meeste 3D-animatie is het resultaat van grote teams die samenwerken.
-
Stop motion:
Zo eenvoudig dat iedereen het kan, stop-motion is wanneer je echte figuren of tekeningen gebruikt en na elke kleine beweging een foto maakt. Wanneer de beelden met hoge snelheid achter elkaar worden afgespeeld, lijkt het op beweging. Het is echter ongelooflijk tijdrovend, omdat je vaak meer dan 12 foto's per seconde aan beeldmateriaal nodig hebt om het er vloeiend uit te laten zien. Je kunt uitsnijdingen, kleimodellen, individuele tekeningen of echte mensen gebruiken om het te maken.
-
Rotoscopie:
Rotoscoping, een nichevorm van animatie die je in films als A Scanner Darkly tegenkomt, is het animeren bovenop conventioneel opgenomen films. Je hebt een tablet nodig en je doorloopt het beeldmateriaal frame voor frame, waarbij je de livevideo gebruikt als richtlijn voor het tekenen van de personages. Het resultaat is een realistische, maar toch geanimeerde look.
Stap 2. Teken je achtergronden uit
Begin met uw instellingen, aangezien de tekens erop worden geplaatst. De achtergrond moet alles zijn waar de personages geen interactie mee hebben, want alles wat beweegt, moet worden geanimeerd. De achtergrond moet een grote tekening zijn en in hoge resolutie worden ingescand. Hierdoor kun je op bepaalde secties "inzoomen" zonder vervorming. Als je bijvoorbeeld twee personages hebt die in een café praten, wil je het hele café erachter tekenen. Maar misschien wil je dat de "camera" zich op elk personage concentreert terwijl ze afzonderlijk praten. In plaats van de achtergrond achter hem opnieuw te tekenen, kun je een kleiner deel van je gedetailleerde achtergrond kopiëren en plakken voor 'close-ups'.
Stap 3. Schets, modelleer of ontwerp uw 'sleutelhoudingen'
" Wat zijn de essentiële poses van je personages, of bepalende acties die elk van hen maakt, in de scène? Zie deze als de "bestemmingen" voor elk stuk beweging. Neem bijvoorbeeld een personage dat een klap uitdeelt. Je zou dit kunnen opsplitsen in drie "sleutelhoudingen", die elk afzonderlijk moeten worden getekend en opgeslagen.
- Sleutelhouding 1 = Rusten. Het kan een gezicht van verbazing, woede of vastberadenheid zijn, of gewoon het personage met zijn handen langs zijn zijden.
- Toets Pose 2 = Opwinden. Hoe spant het personage zijn arm naar achteren? Maak je nog geen zorgen over de beweging om in deze positie te komen, trek ze gewoon uit met hun arm naar achteren en klaar om los te laten.
- Sleutelhouding 3 = Het vervolg. Waar komt het personage terecht direct na de punch? Hun arm zal worden blootgesteld en hun lichaam volgt waarschijnlijk door. Nogmaals, je wilt de laatste pose, niet de frames waar de hand doorheen gaat.
- Hoe meer belangrijke poses je tekent, hoe complexer de beweging zal zijn. Je kunt bijvoorbeeld een keyframe toevoegen van het personage dat er geschokt uitziet, in een vuist balt, hun elleboog laat vallen, met hun arm zwaait, slaat en vervolgens ronddraait tijdens de follow-through.
Stap 4. Teken de "tussenliggende" frames uit
Neem bijvoorbeeld de stoot -- hoe kom je van sleutel tot sleutel? Er is een aantal geavanceerde software die dit voor je zal doen -- als je eenmaal personagemodellen hebt gemaakt, zal de software de tussenliggende beweging voor je "maken". Als u echter net begint, moet u waarschijnlijk uw eigen kaders met de hand tekenen. Hoe meer frames je tekent, hoe vloeiender de actie eruit zal zien.
- Het kan helpen om uw keyframes als richtlijn op het scherm te plaatsen. Dit helpt je te zien waar je de personages moet krijgen en waar ze zijn begonnen.
- Als iets niet beweegt, hoef je niet opnieuw te tekenen. Kopieer en plak het keyframe, wis het deel dat moet worden verplaatst en bewaar al het andere waar het was.
Stap 5. Stel de beelden samen
Composteren is gewoon een mooie manier om de film aan elkaar te rijgen. Dit kan zo simpel zijn als het bestellen van alle frames voor stop-motion of zo ingewikkeld als het renderen van een 3D-model met nauwkeurige verlichting. Nogmaals, je animatiemethode bepaalt hoe je iets samenstelt:
- Voor 2D-animators gaat het bij compositie om het vloeiend maken van de beweging. Software zoals ToonBoom zal dit voor u doen, en kan "rendering" worden genoemd.
- Weet voor 3D-animators dat dit lang duurt. Lichteffecten en texturen zijn moeilijk te programmeren, en zelfs de snelste computers kunnen uren duren om een video samen te stellen.
- Voor stop-motion-animators moet je spelen met de framelengte en de opnamen met een tiende of honderdste van een seconde aanpassen om vloeiende, vloeiende bewegingen te krijgen.
Methode 3 van 3: Uw film afmaken (postproductie)
Stap 1. Neem een dialoog op voor de uiteindelijke film
Nu je de bijna voltooide animatie hebt, is het tijd om de zang precies goed te krijgen. Je stemacteurs kunnen de laatste scène zien, de uitdrukkingen van hun personages en de timing die je wilt in je laatste opname. Hierdoor kunnen zij (of jij) de beste vocale prestaties leveren.
Houd er rekening mee dat het op dit moment erg tijdrovend kan zijn om wijzigingen aan de animatie aan te brengen. Daarom is een zorgvuldige pre-productie essentieel voor een animatiefilm van elke lengte
Stap 2. Voeg waar nodig geluidseffecten toe
Geluidseffecten moeten achter de stemacteurs komen en op het juiste volume worden afgestemd, zodat ze de dialoog niet overheersen. Er zijn natuurlijk enkele uitzonderingen op deze regel. Als er bijvoorbeeld een explosie is waarop de personages moeten reageren, is het misschien het beste om deze eerst in te voeren, voordat het dialoogvenster wordt opgenomen. Dit helpt de acteurs met reacties.
Geluidsmixen is een belangrijke en subtiele kunstvorm. Investeer in een goede koptelefoon en/of speakers om alle volumes correct af te stemmen
Stap 3. Snijd de film in uw uiteindelijke visie
Nu je de hele film bij elkaar hebt, hoe houdt het stand? De kans is groot dat sommige overgangen onhandig aanvoelen en dat een of twee scènes langer duren dan zou moeten. Net zoals je elke live-action film zou monteren, moet je kritisch naar je geanimeerde stuk kijken en het polijsten totdat het schittert. Hoewel er geen "juiste" manier is om een film te monteren, zijn er een aantal principes om in gedachten te houden:
- Voelen bepaalde scènes snel en essentieel aan? Voel je je de hele tijd betrokken? Helpt een specifieke regel of opname het verhaal of thema verder te brengen? Als het antwoord op een van deze vragen nee is, begin dan met trimmen. Vaak zijn de eerste en laatste regels van de dialoog niet essentieel, omdat rechtstreeks in/uit een scène springen meestal aantrekkelijker is. Elk frame telt bij het bewerken.
- Bekijk de film met iemand die ver van het project afstaat. Waren er delen die verveeld raakten? Heeft iets hen in de war gebracht of meer tijd nodig? Hoe kun je je verhaal knippen en bijsnijden om het zo aangrijpend mogelijk te maken?
- Hoe vloeien de scènes in elkaar over? Soms helpt 2-3 seconden achtergrondbeelden de kijker om op adem te komen en in de volgende scène te duiken voordat de dialoog begint.
Stap 4. Voeg uw polijstende details toe, zoals effecten, overgangen en kleurcorrectie
Als u bijvoorbeeld een ouderwetse sepiatint voor uw film wilt, voegt u deze als laatste toe. Dit soort kleine wijzigingen zijn niet nodig tijdens het trimmen, knippen en opbouwen van uw film. Bovendien zijn ze nutteloos als je de scène uitsnijdt of het kleurenschema verandert. Al deze kleine details moeten als laatste komen, als je zeker weet dat het "vlees" van de film klaar is.
- Voeg wipes, oplos- of fade-ins toe aan de scèneovergangen.
- Voeg eventuele filters of effecten toe aan het voltooide beeldmateriaal.
- Voeg titels en aftiteling toe aan het begin en eindig indien nodig helemaal aan het einde.
Video - Door deze service te gebruiken, kan bepaalde informatie worden gedeeld met YouTube
Tips
- Werk in kleine stukjes voor de beste resultaten -- een scène, een actie, enz. -- en bouw ze later samen.
- Neem de tijd voor de pre-productie. Het scheelt een hoop kopzorgen later.
- Maak een testfilmpje, niet langer dan 20-30 seconden, als je net begint met nieuwe software. Dit helpt je het programma en de uitdagingen te leren voordat je in je visie duikt.
